BIOGRAFIA

Since Imma Merino was a child, she needed to express herself and she resorted to the act of drawing and painting in a natural way. She passed her childhood and youth studying and becoming perfect in an art that she finds enthusiastic. This art offers her a way of expressing all the love she feels for every living thing, and the opportunity of analysing the spirituality and beauty of what surrounds her. “Objects preserve pieces from the soul of the person they belonged to, what else would preserve those things that live and beat?” At the beginning of her career she worked different artistic fields without giving up the artistic painting, which is her real passion. During several years she was influenced in different ways until she finally decided to be artistically independent. By then, she enters a frenetic pictorial process. Usually she says: “I dream about painting and when I do not paint I feel I am wasting my time”. She never stops painting. She does not like the classifications; this is why she thinks people do have to take a look at the artworks.
Studies: Germans Arenes i Clavell

Presence in MUSEUMS:

*- CASTLE MUSEUM work in Gmunden (Austria) - The painting Abbadon (the Angel of the Apocalypse) will be there forever. To see work Click here.

*- For the collection of the Princes of Waldburg-Zeil at the PALAST HOHENEMSS in Autria. Portrait of S.M. King Felipe VI. To see work Click here

*- MUSEUM MAYTE SPINOLA- Marmolejo (Jaen) Spain - "The birth of Eros"
To see work Click here.

*- Museo M. de Nazarovo - Siveria - Rusia

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Imma desde muy niña siente la necesidad de expresarse, refugiándose de un modo natural en el dibujo y la pintura.Pasa su niñez y primera juventud estudiando y perfeccionándose en un arte que la apasiona y le ofrece una vía para expresar todo su amor hacia lo que esta vivo , analizando la espiritualidad y la belleza de lo que la rodea. "Los objetos tienen recortes del alma de quienes los han poseído, ¿ cuanto mas , no tendrá todo aquello que late y vive?".En el inicio de su carrera empieza a trabajar en distintos campos artísticos, sin dejar nunca la pintura artística, su verdadera pasión. Durante años bebe de diferentes fuentes hasta que decide independizase artísticamente. Entra entonces en un proceso pictórico frenético. A menudo dice: " Incluso sueño que pinto y cuando no pinto tengo la sensación de estar perdiendo el tiempo" Nunca deja de pintar.
Estudios: Germans Arenes i Clavell.

Presencia en MUSEOS:

*- MUSEO CASTILLO DE GMÜND (AUSTRIA)- El cuadro Abadón (el ángel del Apocalipsis) forma parte de la colección permanente de este museo. Para ver obra hacer Clik aquí.

*- En el Museo PALAST HOHENEMSS en Austria para la colección de los Príncipes de Waldburg-Zeil. Retrato de S.M. El Rey Felipe VI. Para ver obra hacer Clik aqu.

*- MUSEO MAYTE SPINOLA- Marmolejo (Jaen) España - "El nacimiento de Eros". Para ver obra hacer Clik aquí.

*- Museo M. de Nazarovo - Siveria - Rusia.

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Técnicas y maneras de pintar al Óleo

Me voy a permitir recapitular y hacer un pequeño resumen de las técnicas mas comunes y utilizadas de como pintar al óleo.Todas ellas son validas funcionales y contrastadas por el tiempo (lo aclaro para los escépticos)Mi fuente "ministerio de cultura" (no tenía muchas ganas de escribir, aunque me he permitido resumirlo para no hacerlo interminable y añadir alguna cosita)Espero que os sea útil y sepais utilizar todos los metodos para luego elegir vuestro favorito en función del resultado que busqueis

TÉCNICAS Podemos encontrar dos maneras o técnicas básicas de pintura al óleo: las obras que se elaboran despacio y trabajosamente con varias o incluso muchas capas sucesivas de pintura, y que en ocasiones pueden tarda años en ser terminadas, y la pintura que se suele terminar en una sola sesión, también llamada "alla prima", utilizando colores opacos que oscurecen lo que haya debajo, si es que hay algo.

Alla prima. Son muchos si no casi todos los pintores de paisajes pintan alla prima. Los estudios paisajísticos de Constable (1776 - 1837), muestran las ventajas de esta técnica. La pintura es excitante, aplicada libremente, y a menudo la frescura del color expresa mejor el momento que muchas de sus obras de estudio más trabajadas. La clave de este método es la capacidad de aplicar la pintura deprisa, rápidamente y con confianza. Este método fue utilizado con gran eficacia por los Impresionistas, un gran exponente de este método fue Van Gogh. Le gustaba pintar frente al modelo, generalmente al aire libre y casi siempre completaba la obra en una.

Prepintado. Se haya o no dibujado el boceto, el prepintado consiste en aplicar algunos colores y tonos fundamentales, para elaborar mas adelante con veladuras y capas de pintura opaca, el cuadro. En esta primera capa, es interesante usar pocos colores y diluir la pintura;lo mejor es usar pinceles grandes.

Veladuras. El óleo es un fantástico medio e para aplicar capas delgadas de pintura transparente, “veladuras”. Pueden hacerse sobre el prepintado, las zonas de color opaco o los impastos. El efecto es totalmente diferente del que se obtendría mezclando los dos colores. La luz que atraviesa la capa transparente y se refleja en el color opaco que hay debajo produce una profundidad y luminosidad especial. Las veladuras suelen aplicarse sobre colores claros - especialmente blanco o gris neutro - porque son los que mejor reflejan la luz. Al lado de estas partes, la pintura opaca parece retroceder, dando así al cuadro una calidad tridimensional.

Impasto. La pintura espesa, aplicada masivamente con pincel o espátula, se llama impasto. Esta técnica suele emplearse para crear textura y dar al cuadro una calidad tridimensional. Se pueden pintar cuadros enteros con impastos. Sin embargo, una de las principales aplicaciones de esta técnica es para prepintar antes de las veladuras. Los impastos claros - especialmente blancos y grises - suelen usarse en este sentido. Con este mismo fin, tanto Tiziano como Rembrandt hacían impastos con espátula.

Restregado. Se trata de aplicar pintura opaca sobre otra capa opaca de color o tono más oscuro, de manera irregular para que parte de la capa inferior siga viéndose. Tradicionalmente, los restregados se hacen moviendo el pincel en sentido circular, pero se puede conseguir el mismo efecto con rayas, brochazos, manchas, punteados, o cualquier otra combinación de marcas que no formen una capa plana de pintura.Los restregados pueden aplicarse con cualquier tipo de pincel; algunos artistas utilizan un pincel, mezclador o en abanico, colocando el lienzo sobre, una mesa y pintando con el pincel perpendicular a la misma. Otros lo hacen con un trapo, o incluso con los dedos, eliminando el exceso de pintura.

Húmedo sobre húmedo. Monet, Sisley y otros muchos impresionistas, repintaban o restregaban sobre una capa de pintura aún húmeda, y a veces trataban de fundir los colores unos con otros. Esta es una característica de muchas pinturas "alla prima". Los colores deben estar mezclados con el mismo medio. ( Mi favorito y sin complejos)

Frotado. Pueden crearse efectos de rica textura irregular con la técnica del frotado, introducida por Max Ernst (1891-1976). Se aplica al lienzo una mancha de color opaco y se la cubre con una superficie no absorbente, como papel satinado. Se frota el papel y después se quita con cuidado.

Barnizado de un cuadro acabado. No es esencial barnizar los cuadros al óleo; un cuadro sin barnizar no tiene por qué deteriorarse si se cuelga o almacena en condiciones razonables. El barniz tiene la desventaja de que tiende a amarillear con el tiempo, pero protege a las pinturas de las impurezas del aire y realza el brillo del color. Es buena idea barnizar las obras que contengan impastos espesos que puedan tender a hundirse.Un cuadro debe barnizarse de 3 a 6 meses o mas (tambíen influye el clima) después de terminado; para entonces la pintura se habrá secado lo suficiente y habrán cesado la contracción y expansión. La pintura muy espesa puede necesitar más de 6 meses para secarse.Lo mejor es emplear un barniz suave de alcohol de resina como damar o almácigo, si se desea una superficie brillante; o un barniz de cera si se prefiere un acabado semimate.

Sobre los colores de la piel humana

Decir que no existe un color de piel específico, por lo que no puedo darte una formula ( lo peor que puedes hacer es comprar un preparado). Para pintar bien los colores, cuales quiera que sean, has de saber observarlos. En el caso de la piel no es diferente, no existe una sola manera o un solo color de piel, por el hecho simple de que no hay dos personas con el mismo color, (observa bien, compara acercando tu brazo al de un pariente, amigo, compañero... de un sexo de otro...) nadie tiene la piel exactamente del mismo color que otro, y aun tratándose de un mismo personaje, dependiendo de la luz que tenga en ese momento, o de lo que le rodee e influya, los tonos de su piel cambiaran, el abanico es muy amplio, violetas, verdes, azules, amarillos, .... Cualquier color puedes encontrarlo en un cuerpo dependiendo de la raza, luz, y variaciones personales y mas... por lo que no hay un modo, sino al contrario, muchos modos de pintar la piel humana, al igual que ocurre con cualquier otra cosa de todas las que pueden ser pintadas. Mira cuadros clásicos, los mejores, veras que se puede pintar una piel maravillosa con grises, azules, verdes.... todo depende de lo que tenga alrededor, del conjunto del cuadro.

Escorzos y figura

Los escorzos siempre han supuesto un problema o dificultad añadida para aquellos que se enfrentan a ellos en sus inicios artísticos, incluso muchos expertos pintores eluden estos temas. Si los escorzos se aplican a la figura humana estas dificultades suelen multiplicarse.
Que es un escorzo: 1. . Perspectiva que se utiliza en pintura para representar figuras perpendicularmente al lienzo o al papel:dibujó un caballo en escorzo. 2. . Figura que tiene una parte girada con respecto al resto del cuerpo:se colocó en escorzo ante el espejo y logró un bello autorretrato.Para entendernos, un escorzo es un cuerpo pintado en perspectiva, Un escorzo puede ser de todo un cuerpo o de una parte de este.
La cuestión es que los seres humanos tenemos una tendencia natural a representarnos a nosotros mismos en posiciones muy cercanas a la hierática por lo que todo lo que suponga romper esta inclinación nos supone una dificultad añadida.
Si dibujar un escorzo de una figura geométrica sencilla (una caja de zapatos) no ha de suponer un esfuerzo especial, conociendo mínimamente las leyes de la perspectiva, cualquier manual sencillo nos enseñara como hacerlo y ello no será un problema para un dibujante mínimamente aceptable.El problema viene cuando esa figura es mas compleja. Tiene muchas aristas, pendientes, subidas, curvas… Entonces nos empezamos a perdernos entre tantas posibilidades.Y si esas dificultades añadimos contornos redondeados como los que pueda tener cualquier ser vivo y le sumamos el hecho de que a los humanos nos gusta vernos de frente, ejem.s el pintor o dibujante puede pasar horas intentando solucionar un escorzo sin conseguirlo.
Sin embargo ese cuerpo esta sujeto exactamente a las mismas leyes de la perspectiva que una caja de zapatos. Es nuestra psicología la que nos juega malas pasada de apreciación y es de nuestros “sistemas mentales “ de los que nos tenemos que liberar y tener imaginación, sobre todo si el escorzo lo dibujamos sin modelo. Hemos de imaginar que se ve y que no y como.
Para encajar el escorzo yo os invitaría, en primer lugar a olvidar de que estáis dibujando un cuerpo humano, intentar liberaros de ese pensamiento y mirarlo como si se tratara de un paisaje o de un conjunto de figuras geométricas sencillas amontonadas. (ya sabéis que el cuerpo humano puede descomponerse geométricamente).
Una manera de introducirse en ello, es imaginar que el cuerpo esta metido en una caja o cabina, de manera que encaja perfectamente con los puntos mas elevados o mas anchos del cuerpo a pintar, recordar que la caja ha de tener profundidad, altura y anchura. Las tres dimensiones. Todo ello ha de estar en vuestra cabeza.Vamos a imaginar que queréis pintar un hombre tumbado, con los pies en primer plano y la cabeza al fondo, un brazo extendido hacia arriba y el otro en jarras sobre su cadera. La caja en la que estaría metido tendría la altura del brazo que tiene en alto, la largura de sus pies a la cabeza y la anchura de uno de sus hombros hasta el codo del brazo que tiene en jarras.
Ahora situad la caja en el papel. Dibujarla bien orientada con su punto de fuga bien señalizado en el papel. Empezar por lo que esta mas cerca, la cara de la caja donde están los pies, no solo los pies, sino no toda la cara, es decir, con la anchura y la altura necesaria, vamos que hay que dibujar esa especie de caja rectangular y perfecta. Empezáis por lo que tenéis mas cerca y proyectáis el resto de la caja hacia su punto de fuga. Inmediatamente después dibujáis donde termina la caja, su largura.Solo tenéis que colocar a en su interior a vuestro hombre tumbado, ya tenéis la altura máxima a la que estar su mano extendida, sabéis que su codo sobresaldrá por uno de los lados de manera que el centro geométrico de hombre estará a un lado de la caja, no en su centro ( es interesante que hagáis una línea marcando ese centro del individuo que va de la cabeza al centro de sus pies) y a partir de ahí empezáis por los pies y situáis al caballero en el interior de la caja.
Para los menos ordenados quizás esto les maree un poco, y prefieran ir por “libre”Recomiendo una vez mas que olvidéis que pintáis un ser humano, o un ser vivo cual fuere, imaginar que es solo un paisaje. Lo encajáis bien, y luego ya podéis volver a la idea de que es un cuerpo vivo.Hay que imaginar que veréis de ese cuerpo y que no, todas las distancias largas se acortaran (de ahí el nombre de escozo) que algunas partes del cuerpo quedaran ocultas a la vista del espectador y otras se harán mas evidente y grandes (en este caso los pies)
A la hora de ponerle color o sombra es lo mismo que cualquier otra cosa, lo que esta cerca muy detallado lo que esta lejos… no tanto, lo que esta cerca unos colore mas limpios, los colores del lo que esta lejos tomaran mas de los que tengan alrededor.
Al fin y al cabo pintar un escorzo humano, es como pintar cualquier otra cosa que tenga una fuerte perspectiva. Lo mas importante es olvidarse, a la hora de dibujarlo, de la “hieratividad” incluso de que es un ser vivo. Se que es difícil pero solo la práctica y el esfuerzo os darán buenos resultados.Como siempre un buen maestro es importante y puede ayudar a comprender y dar los primeros pasos. Es difícil aconsejar sin ver los resultados obtenidos hasta ahora, también es cierto que no todos los maestros sabrán como enfrentarse a un escorzo, muchos eluden el tema.